DEUXIEME ANNEE DE FORMATION D'ACTEUR ET D'ACTRICE A PARIS — APPROFONDISSEMENT, AUTONOMIE ET JEU FACE CAMERA

La deuxième année de formation aux Cours Les Insurgés à Paris approfondit les outils de jeu, développe l'autonomie artistique et invite les acteurs et actrices en formation à affirmer leur propre vision de l'art dramatique. Le programme est organisé en trois modules progressifs : monologues en contraste, travail classique et contemporain avec **carte blanche artistique**, puis **parcours d'un rôle** présenté publiquement au **Théâtre de l'Orme** (50 places, plateau de 50m2, Paris 19e). C'est aussi l'année où le **jeu face caméra** entre dans le cursus et où la **méthode association-dissociation** est travaillée en profondeur.

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UNE ANNEE VOLONTAIREMENT EXIGEANTE ET INTENSE

La deuxième année est construite autour d'un rythme de travail soutenu. C'est un choix pédagogique assumé : permettre aux élèves de mesurer les exigences réelles du métier d'acteur et d'actrice. Engagement, rigueur, travail personnel, capacité à défendre une proposition artistique — tout ce qui sera attendu dans le métier est attendu ici.

La première année a posé les fondamentaux : voix, corps, respiration, écoute, présence, premiers repères de plateau, découverte de la **méthode association-dissociation**. L'acteur et l'actrice ont appris à chercher, à se tromper, à recommencer — ils ont accepté que le jeu est un **art de l'échec**.

La deuxième année est celle où tout change. Les fondamentaux sont là. Maintenant, il faut construire dessus. Construire un personnage, pas seulement jouer une scène. Trouver des nuances, pas seulement des intentions. Passer d'un registre à l'autre. Et surtout : commencer à assumer une position artistique, à faire des choix, à les défendre.

L'art de l'échec ne disparaît pas — il se raffine. En première année, on acceptait de se tromper. En deuxième année, on apprend à se tromper mieux : identifier précisément ce qui ne fonctionne pas, proposer des ajustements plus fins, chercher avec plus de direction.

Cette exigence s'accompagne d'un encadrement pédagogique très présent. Les promotions de **10 à 15 élèves** permettent un suivi individualisé réel, séance après séance. Thibaut Besnard, responsable pédagogique et metteur en scène en activité (Orphelins au Festival d'Avignon 2025, complet dès la troisième date — Petite. aux Déchargeurs et à Avignon 2022 — Prix de la mise en scène et Prix du public aux Floréales Théâtrales), assure la direction pédagogique. Julia Gratens, comédienne et enseignante semi-permanente, assure la continuité quand il est en création. Le cadre est structuré et bienveillant — l'intensité du travail ne signifie pas la brutalité de la méthode.

Chaque séance commence par l'**échauffement collectif** : étirements, voix, souffle, gainage, massage dynamique. En deuxième année, cet échauffement s'approfondit — la respiration devient un outil de plus en plus précis au service de la **méthode association-dissociation**.

🎓 Première année — Fondamentaux du jeu d'acteur et découverte de la méthode

📖 Pédagogie — La méthode association-dissociation en détail

"On est accompagné avec sérieux et précision, sans flatterie inutile : on progresse parce qu'on travaille, et parce qu'on est guidé avec des retours clairs et utiles." — Damien

MODULE 1 — MONOLOGUES EN CONTRASTE (SEPTEMBRE A NOVEMBRE)

Dès la rentrée, chaque élève présente deux monologues en contraste. Ces textes sont choisis par les élèves et travaillés pendant l'été, pour être présentés dès le premier jour de la formation. La deuxième année commence avant la rentrée.

LE PRINCIPE DU CONTRASTE

Les deux monologues doivent explorer des territoires de jeu différents. Le contraste peut prendre plusieurs formes : contraste de style, de tonalité, de registre, d'écriture ou d'époque. Les deux propositions ne doivent pas défendre le même sujet ni le même univers de jeu.

Le contraste ne signifie pas nécessairement une opposition radicale. Il peut aussi être complémentaire, révélant deux facettes différentes du travail d'un acteur ou d'une actrice. Un monologue dramatique face à un monologue de comédie est une forme de contraste. Mais un monologue intimiste face à un monologue adressé au public est aussi un contraste — plus subtil, tout aussi exigeant.

L'objectif est double. D'abord, prouver que l'acteur ne se limite pas à un registre. Ensuite — et c'est le plus important — faire un choix. Choisir ses textes, c'est déjà affirmer un regard artistique. Pourquoi ces deux monologues ? Pourquoi ce contraste ? La deuxième année commence par un acte d'autonomie.

TROIS MOIS DE TRAVAIL APPROFONDI

Les deux monologues font ensuite l'objet d'un travail approfondi pendant environ trois mois. Les retours pédagogiques sont précis : précision du jeu, écoute, engagement dans la parole, rapport au texte, respiration, présence. La **méthode association-dissociation** est mise au service de chaque monologue : comment respirer cette colère, comment habiter cette tristesse, comment contrôler une montée émotionnelle sans perdre le texte.

Chaque passage est analysé, retravaillé, reproposé. On ne demande pas à l'élève de livrer une version parfaite. On lui demande de chercher, de proposer, d'ajuster — c'est la **directabilité** en action. La justesse se construit par le travail.

MODULE 2 — CLASSIQUE, CONTEMPORAIN ET CARTE BLANCHE (DECEMBRE A MARS)

A partir de décembre, le travail s'ouvre sur plusieurs axes complémentaires qui élargissent considérablement la palette de l'acteur et de l'actrice.

INITIATION A L'ALEXANDRIN

Les élèves découvrent le travail du vers et de l'alexandrin : musicalité du texte, césure, enjambement, diérèse, précision du langage. Travailler l'alexandrin, ce n'est pas réciter du Racine avec un air grave — c'est comprendre comment une écriture contrainte libère le jeu au lieu de l'enfermer. Le vers impose un rythme, une respiration, une architecture de la parole. L'acteur qui maîtrise l'alexandrin maîtrise ensuite n'importe quelle forme de texte.

SCENES CLASSIQUES IMPOSEES

Les élèves travaillent des scènes issues du répertoire classique, choisies par l'équipe pédagogique. Molière, Racine, Shakespeare, Marivaux, Corneille — les textes varient selon les promotions. Ce travail permet d'explorer des formes d'écriture radicalement différentes du contemporain et d'approfondir les outils de jeu.

La **méthode association-dissociation** s'applique au classique avec une efficacité particulière. Le piège du classique, c'est de jouer la forme au détriment du fond — de réciter au lieu d'habiter. L'association-dissociation permet de maintenir un état émotionnel juste tout en respectant la contrainte du vers.

📖 L'italienne au théâtre : méthode de répétition du texte seul

MONOLOGUES CONTEMPORAINS

En parallèle, les élèves poursuivent un travail autour de monologues contemporains : auteurs vivants, textes récents, langues fragmentées, silences, rythmes non conventionnels. Le contemporain demande une écoute différente du classique — et l'acteur qui navigue entre les deux enrichit profondément sa palette.

TRAVAIL EN AUTONOMIE — ACCES AUX ESPACES

Durant cette période, les élèves disposent d'un accès aux salles de répétition au **111 Boulevard de Sébastopol** (Paris 2e) en dehors des heures de cours — inclus dans le tarif. Beaucoup d'écoles de théâtre à Paris ne proposent pas d'espaces de répétition en dehors des cours. Aux Cours Les Insurgés, les élèves peuvent répéter et préparer leurs projets dans des conditions professionnelles.

LA CARTE BLANCHE ARTISTIQUE

A la fin de ce module, fin mars ou début avril, les élèves présentent une **carte blanche artistique**. C'est un moment singulier — et un exercice que très peu d'écoles de théâtre proposent.

Il s'agit d'une forme totalement libre : texte de théâtre, texte écrit par l'élève, performance, danse, forme hybride — toute expression artistique personnelle est recevable. La carte blanche représente une expression intime de l'univers artistique de l'élève.

Le travail est mené en totale autonomie. Le responsable pédagogique n'intervient pas dans l'élaboration du projet et ne connaît pas son contenu. Les élèves conservent le secret jusqu'au jour de la présentation. La proposition est révélée lors de l'échéance publique.

C'est l'**art de l'échec** dans sa forme la plus pure : proposer quelque chose de personnel, assumer le risque que ça ne fonctionne pas, et découvrir dans le faire ce qu'on n'aurait jamais trouvé dans la réflexion seule.

MODULE 3 — PARCOURS D'UN ROLE ET PRESENTATION PUBLIQUE (AVRIL A JUIN)

Le troisième module est le plus ambitieux de l'année. Chaque élève conçoit, dirige et joue dans un **parcours d'un rôle** d'environ quinze minutes — une forme scénique entièrement initiée et portée par l'élève.

CONCEVOIR ET DIRIGER SA PROPRE CREATION

Le parcours d'un rôle n'est pas un exercice de scène classique. C'est un projet de création complet. Les élèves doivent construire leur propre vision artistique, proposer leur propre adaptation ou coupe du texte, constituer leur distribution en invitant d'autres élèves à participer, et assumer une position de direction artistique. Ils doivent également jouer dans leur propre création.

L'acteur et l'actrice sont à la fois créateurs, directeurs et interprètes. C'est un exercice qui mobilise tout ce que la formation a construit : technique, écoute, autonomie, capacité à proposer, **méthode association-dissociation** pour habiter le jeu tout en dirigeant le projet.

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DOSSIER ARTISTIQUE

Ce travail s'accompagne d'un **dossier artistique** amorcé dès décembre, puis développé au fil de l'année. Le dossier présente la vision artistique du projet, les choix dramaturgiques, la distribution, la structure du parcours du rôle. C'est un premier exercice de mise en forme professionnelle de la pensée artistique — un outil que l'acteur réutilisera tout au long de sa carrière pour défendre ses projets de création.

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PRESENTATION PUBLIQUE AU THEATRE DE L'ORME

Les parcours d'un rôle sont présentés publiquement au **Théâtre de l'Orme** (50 places en gradins, plateau de 50m2 en béton noir, régie, projecteurs, loge — Paris 19e), devant les proches des élèves, des spectateurs et parfois des professionnels du métier. C'est la première confrontation réelle avec un public pour beaucoup d'élèves — et c'est un moment décisif.

Jouer devant ses partenaires de cours et jouer devant des gens qui ne vous connaissent pas sont deux expériences radicalement différentes. La présence du public change tout : le trac, l'énergie, le rythme, la pression. C'est précisément ce que la **méthode association-dissociation** prépare l'acteur à traverser. L'émotion est produite par la respiration et le corps, pas par l'adrénaline du moment.

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LE JEU FACE CAMERA — L'AUTRE TOURNANT DE LA DEUXIEME ANNEE

En parallèle des trois modules, la deuxième année introduit le **jeu face caméra**. Tout ce que l'acteur a appris sur le plateau doit être recalibré : la caméra capte le moindre mouvement des yeux, la moindre tension parasite. Au théâtre, un geste doit porter jusqu'au dernier rang. Face caméra, un regard suffit.

Le travail couvre les fondamentaux du jeu audiovisuel : valeurs de plan (gros plan, plan américain, plan d'ensemble), intensité du jeu ajustée au cadre, subtilité et micro-expression, rapport à la caméra, contraintes du montage.

La **méthode association-dissociation** révèle ici un avantage concret. La respiration comme outil de génération émotionnelle fonctionne aussi bien en gros plan qu'en plan large. Contrairement au geste psychologique de Michael Chekhov — qui repose sur un mouvement du corps — la respiration est invisible à l'écran. L'acteur peut produire une émotion intense sans bouger un muscle visible. C'est exactement ce que le jeu face caméra exige — et c'est un avantage direct pour les auditions filmées, les **self-tapes** et le travail en série.

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APPROFONDISSEMENT DE LA METHODE ASSOCIATION-DISSOCIATION

En première année, les élèves ont découvert les principes de la méthode. En deuxième année, le travail devient plus précis.

Les acteurs et actrices apprennent à moduler l'intensité émotionnelle : pas seulement "être triste" mais trouver les vingt nuances entre la mélancolie et l'effondrement. Pas seulement "être en colère" mais distinguer l'irritation froide de la rage explosive. La respiration permet cette finesse : une variation infime du rythme respiratoire modifie la nature de l'émotion.

Le travail de dissociation se précise également. L'acteur apprend à entrer dans un état émotionnel intense, puis à en sortir proprement quand la scène est finie. Pas de résidu émotionnel. Pas de personnage qui s'incruste dans la vie personnelle. La dissociation protège l'acteur — contrairement à la mémoire affective de **Stanislavski** ou au Method Acting de **Strasberg**, qui peuvent laisser des traces psychologiques.

Cette compétence est particulièrement mise à l'épreuve dans le **parcours d'un rôle** et la **carte blanche** : deux exercices où l'investissement émotionnel est maximal, où l'acteur est exposé publiquement, et où la dissociation fait la différence entre un artiste qui s'abîme et un artiste qui maîtrise son art.

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LES STAGES INTEGRES DE DEUXIEME ANNEE

En complément des trois modules et du jeu face caméra, la deuxième année inclut des **stages intégrés** encadrés par des intervenants professionnels en activité :

Improvisation — encadrée par **Alexandre Lucas Bécourt** (metteur en scène, responsable du pôle improvisation au Théâtre pour Tous) et **Arthur Guillaume** (comédien et improvisateur). L'improvisation développe l'écoute, la réactivité, la construction collective et la capacité à proposer sans filet.

Régie et lumière — encadrée par **Raphaël Bertomeu** (régisseur, créateur lumière, régisseur général au théâtre Paris-Villette). Comprendre la lumière, le son et la technique du plateau donne à l'acteur une conscience de l'espace scénique que le jeu seul ne suffit pas à construire.

Danse-théâtre — encadrée par **Mina Gozan** (danseuse et chorégraphe, ancienne élève devenue intervenante, chorégraphe d'Orphelins). Le corps comme outil d'expression, la conscience du mouvement, le rapport à l'espace et au partenaire.

Ces stages sont inclus dans le tarif — pas de frais supplémentaires.

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L'AUTONOMIE ARTISTIQUE — UNE PROGRESSION EN TROIS TEMPS

MODULE 1 : CHOISIR SES TEXTES

Les monologues en contraste sont choisis par l'élève. C'est le premier acte d'autonomie : assumer un choix de texte et le défendre.

MODULE 2 : CREER SA CARTE BLANCHE

La **carte blanche** est un exercice de création pure, sans regard extérieur, sans validation préalable. L'élève est seul face à ses choix artistiques.

MODULE 3 : DIRIGER SON PARCOURS D'UN ROLE

L'élève passe de l'autre côté : il ne se contente plus d'être interprète, il devient créateur et directeur de son propre projet, devant un public réel au **Théâtre de l'Orme**.

Cette progression n'est pas un hasard. Chaque module pousse un cran plus loin : d'abord choisir, puis créer seul, puis diriger les autres et se confronter au public. A la fin de la deuxième année, l'acteur et l'actrice ne sont plus seulement des interprètes qui attendent qu'on les dirige — ce sont des artistes capables de porter un projet.

"Ces 3 années ont transformé un rêve d'enfant en quelque chose de solide, tangible, une réalité." — Mina

INTEGRER DIRECTEMENT LA DEUXIEME ANNEE

Les acteurs et actrices ayant déjà suivi une première année dans une autre école peuvent intégrer directement la deuxième année aux Cours Les Insurgés, sur audition avec Thibaut Besnard. Le niveau, le parcours et la capacité à s'intégrer dans la promotion de **10 à 15 élèves** sont évalués lors d'un travail dirigé.

Si vous venez du Cours Florent, du Cours Simon, d'une autre école privée ou d'un conservatoire et cherchez une pédagogie différente, un suivi plus individualisé ou une méthode de travail émotionnel qui ne repose pas sur la mémoire affective — contactez-nous.

INTEGRER LA DEUXIEME ANNEE SUR AUDITION — 07 49 15 31 73

🔄 Admission directe en 2e, 3e ou 4e année — Profils, audition, conditions

CE QUI SE PASSE A LA FIN DE LA DEUXIEME ANNEE

A l'issue de la deuxième année, l'acteur et l'actrice ont travaillé le classique et le contemporain, le vers et la prose, le monologue et la scène. Ils ont présenté une **carte blanche artistique** — un acte de création totalement personnel. Ils ont conçu, dirigé et joué un **parcours d'un rôle** devant un public réel dans un théâtre. Ils ont commencé à travailler face caméra. Ils maîtrisent la **méthode association-dissociation** dans des contextes de jeu variés. Les premières **photos professionnelles** sont réalisées avec des photographes professionnels (photographe principal : Damien Guillaume) — le début de la constitution du **book photo**.

La troisième année ouvre le dernier chapitre : la professionnalisation. Spectacle, scènes filmées, **zones de doute**, **projets de création** défendus devant jury, constitution complète du dossier professionnel (book, bande démo, CV artistique, dossier de création).

🎪 Troisième année — Professionnalisation, création et entrée dans le métier

QUESTIONS FREQUENTES SUR LA DEUXIEME ANNEE

COMMENT S'ORGANISE LE PROGRAMME ?

Trois modules progressifs : monologues en contraste (septembre à novembre), travail classique et contemporain avec **carte blanche artistique** (décembre à mars), **parcours d'un rôle** avec présentation publique au **Théâtre de l'Orme** (avril à juin). Jeu face caméra en parallèle. Stages intégrés tout au long de l'année.

QU'EST-CE QUE LA CARTE BLANCHE ARTISTIQUE ?

Une création totalement libre et personnelle préparée en autonomie complète. Le responsable pédagogique ne connaît pas le contenu avant la présentation. Théâtre, texte original, performance, danse, forme hybride — tout est possible. L'**art de l'échec** dans sa forme la plus pure.

QU'EST-CE QUE LE PARCOURS D'UN ROLE ?

Un projet de création d'environ quinze minutes, conçu, dirigé et joué par l'élève. Distribution constituée par l'élève, direction artistique assumée, présentation publique dans un théâtre devant proches, spectateurs et parfois professionnels du métier.

PEUT-ON INTEGRER DIRECTEMENT LA DEUXIEME ANNEE ?

Oui. Les acteurs et actrices d'autres écoles peuvent intégrer la 2e année sur audition avec Thibaut Besnard. Contactez le 07 49 15 31 73.

LA DEUXIEME ANNEE INCLUT-ELLE LE JEU FACE CAMERA ?

Oui. Le jeu face caméra et les codes de l'audiovisuel commencent en deuxième année. Valeurs de plan, micro-expressions, subtilité du jeu filmé, rapport à la caméra.

QUEL EST LE TARIF ?

300 euros par mois (550 euros le premier mois). Echelonnement intégré. Identique pour les trois années du cursus. Stages, sessions photo, captations, accès aux salles de répétition inclus. Pas de frais cachés.

QU'EST-CE QUE LA METHODE ASSOCIATION-DISSOCIATION ?

La méthode exclusive des Cours Les Insurgés, créée par Thibaut Besnard. L'émotion est générée par la respiration et le corps — pas par la mémoire affective. L'acteur reste maître de son instrument. En deuxième année, le travail se précise : modulation fine des intensités émotionnelles, dissociation maîtrisée.

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🎭 Formation professionnelle d'acteur et d'actrice — Cursus complet en 3 ans — Le programme, le rythme, les objectifs et les modalités pour devenir acteur ou actrice professionnelle.

🎓 Première année — Fondamentaux du jeu théâtral — Voix, corps, respiration, écoute. Introduction à la méthode association-dissociation. Spectacle collectif.

🎪 Troisième année — Professionnalisation — Zones de doute, scènes filmées, projets de création, constitution du dossier professionnel complet.

🎯 Accompagnement professionnel — 4e année facultative — 150€/mois. Auditions réelles, projets concrets, planning flexible.

📖 Pédagogie et enseignements — La méthode association-dissociation — Respiration, émotion, dissociation : les principes de la méthode exclusive des Cours Les Insurgés.

📋 Dossier artistique — Book, bande démo, CV — Les outils professionnels constitués pendant la formation, inclus dans le tarif.

🏛️ L'école de théâtre Cours Les Insurgés à Paris — Petits effectifs, deux lieux professionnels, école indépendante. Notée 5 étoiles sur Google.

💰 Tarifs et financement de la formation — 300€ par mois (550€ le premier mois). Stages, book photo, captations inclus.

📝 Admissions et auditions — Audition d'entrée, stage d'accès, cours d'essai. Toutes les voies pour intégrer la formation.

🔄 Admission directe en 2e, 3e ou 4e année — Pour les acteurs et actrices formés ailleurs ou en activité.

📚 Lexique théâtre et cinéma — Tous les termes du métier expliqués : alexandrin, italienne, plans, self-tape, direction d'acteur.

CONTACT — DEUXIEME ANNEE DE FORMATION D'ACTEUR A PARIS

111 Boulevard de Sébastopol, 75002 Paris
Théâtre de l'Orme — Rue de l'Orme, 75019 Paris

Téléphone : 07 49 15 31 73
Email : courslesinsurges@gmail.com

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